Play It Loud !!!! Le rock'n'roll, c'est fait pour la scène...

Gyasi, c'est simple : depuis 2022, année où on a entendu parler de lui pour la première fois, chacun de ses concerts est une garantie de ne pas être déçu. Du coup, il n’y a jamais de véritable surprise : on ressort toujours de là avec « la banane », et avec les oreilles remplies de délicieux sons de guitare typiques des années glam du début des seventies. De quoi se demander pourquoi un artiste de cette trempe n’arrive pas à remplir des salles parisiennes plus grandes que la Maro ou Petit Bain où on le voit (quasiment) chaque année. Gyasi est en train de devenir l’un de ces secrets musicaux trop bien gardés que seuls les initiés se partagent, alors que le beau jeune homme de Nashville rêvait sans doute d’une carrière sinon à la Bowie, mais au moins à la Bolan (sans la fin prématurée et tragique, bien sûr). En tout cas, en ce samedi soir, Petit Bain n’est même pas totalement complet, même s’il se remplit vite d’une foule bigarrée et enthousiaste… mais pas aussi jeune qu’on l’aimerait…

19h50 : Nous ne sommes pas particulièrement excités par la perspective d’une première partie assurée par Soft Palms, duo US présenté comme faisant de la dream pop, un genre musical qui nous donne souvent… sommeil. C’est que nous n’avions pas écouté leur dernier album, In Echo, qui, sans perdre un aspect « flottant », marque un virage vers une drôle de musique sentant le déséquilibre malsain à plein nez… et qui sera joué en quasi-intégralité. Dès le début, la guitariste chanteuse Julia Kugel combine étrangement le son abrasif de sa guitare avec un chant de petite fille perverse, tombant occasionnellement dans de petits dérapages quasi-psychotiques. Les mélodies louchent du côté de la pop sixties, il y a de jolies chansons presque commerciales (comme l’excellente Nervous As Hell), il y a de légères tendances « grunge » aussi… Mais ce qui stupéfie, ce sont des montées en intensité inattendues, en particulier dans un fracassant final, enchaînant un Radio quasi punk et un The Wedding Song bien ironique avec ses « Show up and shut up / Do what I say, do what I want » en illustration des joies du mariage. 35 minutes intrigantes, et des gens qu’on essaiera de suivre désormais.

20h50 : Après la soirée quasi-zeppelinesque que nous avait offerte Gyasi à la Maro l’année dernière et la récente parution de l’album Songs From The Holler, consacré à des reprises acoustiques dépouillées de classiques du blues, on s’attendait, logiquement, à voir notre guitar hero anticonformiste nous plonger dans une autre soirée blues rock… Eh bien, inutile de faire durer le suspense, il n'en sera rien !

Au contraire, ce soir, Gyasi et son band vont revenir au glam rock de leurs débuts, dans une version quand même un tantinet plus « heavy » pour faire bonne mesure. Est-ce l’influence de la redoutable guitariste Leilani Kilgore, qui n’était pas là en 2025, et revient cette fois rendre le son plus explosif, plus punk, plus heavy metal ? Peut-être, mais en tout cas, ce soir, beaucoup moins de longs soli à la Jimmy Page, priorité à l’efficacité des chansons, et à l’intensité des duels de guitare spectaculaires. À propos de la guitariste, il nous faut admettre que, du fait de son passage du blond au noir corbeau et d'une robe très féminine à un look cuir / metal, nous n’avons pu reconnaître Leilani que grâce à ses très beaux tatouages…

La setlist de ce soir va puiser de manière équilibrée dans toute la discographie de Gyasi, y compris son récent single, You've Got the Look, une chanson découverte il y a déjà un an à la Maro… ce qui permet de constater que le « style Gyasi » est resté cohérent au fil des années. Une identité renforcée par une interprétation plutôt « rentre-dedans », avec des soli beaucoup moins dilués, mais donnant toutefois lieu à ces moments spectaculaires dont Gyasi est friant : poses provocatrices et postures archétypales des guitar heroes seventies (au second degré, heureusement). Car Gyasi et son groupe prennent visiblement un énorme plaisir à être là, à partager leur musique avec un public qui répond à leur enthousiasme. On regrettera des lumières difficiles, et un niveau de voix insuffisant pour le public du premier rang : pour le reste, le son de la basse de Cole Bearden est remarquable, et la combinaison des deux guitares de Leilani et Gyasi irrésistible.

Nous avons droit, comme toujours, à la pause « cabaret + boa » sur 23, seul moment un peu plus calme du set, et à la fin du rappel à un court crowdsurfing de Gyasi lui-même. Un rappel original, puisque Gyasi nous jouera d’abord une chanson récemment composée et offerte par son acolyte de chez Alice Cooper, Dennis Dunaway (le bassiste historique du Alice Cooper Group) : An American In Paris est un hommage parfait à la capitale, ville où Gyasi termine sa tournée européenne, et amuse avec ses « Ouh Là Là » caricaturaux que nous reprenons tous en chœur. S’ensuit une reprise – rajoutée au feutre sur la setlist – brouillonne mais évidemment satisfaisante du Rebel Rebel de Bowie, joli cadeau aux spectateurs les plus âgés dans la foule qui ont vécu les années 70. Et le set se termine avec le jouissif Bang Bang (Runaway), extrait du dernier album.

On se quitte rapidement, le staff de Petit Bain devant préparer la salle pour la soirée « club » traditionnelle du samedi soir, mais nombreux sont quand même ceux qui s’attardent au merch où les attend un Gyasi souriant de toutes ses dents. Visiblement aussi satisfait que nous ! On savait tous que Gyasi serait excellent, mais on ne savait simplement pas quel Gyasi on allait retrouver, et cette coloration très glam / heavy rock’n’roll de la soirée a été un vrai bonheur.

Les musiciens de Soft Palms sur scène :

Julia Kugel – voix, guitare

Scott Montoya – batterie

La setlist du concert de Soft Palms :

Batshit (In Echo – 2026)

Rainbows (Soft Palms – 2020)

Garbage In The Sand (In Echo – 2026)

Nervous As Hell (In Echo – 2026)

Pretty Dancer (Soft Palms – 2020)

Bone Dry (Soft Palms – 2020)

Baddy (Soft Palms – 2020)

Dog 'n' Bone (In Echo – 2026)

Pretty Boring (In Echo – 2026)

In Plain Sight (In Echo – 2026)

Radio (In Echo – 2026)

The Wedding Song (In Echo – 2026)

Les musiciens de Gyasi sur scène :

Gyasi — chant, guitare

Leilani Kilgore — guitare

Cole Bearden — basse/claviers

Sam Skorik — batterie

La setlist du concert de Gyasi :

Cheap High (Rock N’ Roll Sword Fight – 2024)

Mind explorer

She Says (Here Comes The Good Part – 2025)

Tongue Tied (Androgyne – 2019)

Androgyne (Androgyne – 2019)

Teacher (Rock N’ Roll Sword Fight – 2024)

You've got the look (Single – 2026)

Baby Blue (Rock N’ Roll Sword Fight – 2024)

Lightning (Here Comes The Good Part – 2025)

Kiss Kiss (Androgyne – 2019)

23 (Rock N’ Roll Sword Fight – 2024)

Godhead (Pronounced Jah-See – 2022)

Snake City (Here Comes The Good Part – 2025)

All Messed Up (Pronounced Jah-See – 2022)

Encore:

American in Paris (Dennis Dunaway song)

Rebel Rebel (David Bowie cover)

Bang Bang (Runaway) (Here Comes The Good Part – 2025)

The Molotovs, c’est depuis quelques mois une petite hype qui monte, qui monte. Oh pas une explosion inattendue comme celle d’Angine de Poitrine, mais quand même : un duo frère-sœur qui arpente les scènes britanniques depuis 2020, alors que Mathew et Issey Cartlidge étaient encore adolescents, en jouant une musique nerveuse et 100% anglaise, tissant un lien entre plusieurs époques glorieuses du rock d’outre-Manche, de The Jam aux Libertines, en passant par Blur. Et puis, et ce peut être une raison de leur succès, regarder Mathew et Issey ne fait pas mal aux yeux !

Ne les ayant encore jamais vus sur scène, et ayant apprécié leur premier album, Wasted Youth, paru en début d’année, nous nous rendons donc plein d’espoirs à leur concert à la Machine du Moulin Rouge, qui affiche complet avec sa jauge déjà très raisonnable de 800 personnes. En revanche, l’inquiétude règne dans la file d’attente à l’entrée de la salle, après l’annonce que le concert de la veille, au 106 de Rouen, a dû être écourté du fait d’un problème de santé (grippe ? en cette saison ?) de Mathew…

20h00 : la salle accueillante de la Machine du Moulin Rouge (une salle que nous aimons beaucoup, offrant la plupart du temps une bonne visibilité sur la scène avec ses deux coursives, son balcon et son escalier, mais surtout un excellent son et d’excellentes lumières) est déjà bien pleine quand les Anglais de The Velvet Hands – originaires plus précisément de Cornouailles - investissent la scène. Le programme offert par Live Nation ce soir est riche car The Velvet Hands, ce n’est pas un groupe de seconde zone : ils tournent depuis huit ans, et ont deux albums à leur actif, et déjà une ribambelle de chansons. Des influences très riches aussi, qui démarrent avec le punk rock classique de The Clash, mais qui couvrent aussi ce moment décisif en 1978-1979 quand le punk s’est enrichi de la tradition « pop classique » anglaise. Et puis, inévitablement pour des gens de cette génération, un impact de The Strokes, en particulier dans le chant.

Dès le démarrage pied au plancher du set, le plaisir déferle sur la fosse (composée quand même d’un public un peu plus âgé qu’on ne l’aurait attendu pour The Molotovs) : The Velvet Hands mélangent parfaitement les mélodies évidentes et l’énergie juvénile aux pics d’intensité occasionnels que l’on attend de la tradition « garage punk », une recette à laquelle nous avons bien du mal à résister ! Nous apprécierons particulièrement – évidemment - Chick Habit, la version anglaise de Laisse tomber les filles de France Gall (un titre de Gainsbourg) : bénéfice d’être à Paris, Lise, la chanteuse de Pythies qui chante sur le single, monte sur scène pour pousser la chansonnette avec le groupe. À l’autre extrémité du spectre musical, si l’on veut, il y aura un Sick of Living à toute allure, bien dans la tradition 1977, donc parfait pour les nostalgiques de cette époque.

30 minutes très convaincantes, un excellent démarrage de soirée, et un groupe qu’il ne faudra pas manquer quand il reviendra jouer à Paris : d’après notre discussion au stand de merchandising, ce serait en avril 2027, peut-être au Supersonic.

21 h : le « power trio » (dans l’esprit The Jam, donc) de The Molotovs attaque son set avec un puissant Johnny Don’t Be Scared, et tout est simplement parfait. Le look à la Paul Weller de Mathew, en plus blond peroxydé et plus mignon, le son tranchant des Rickenbacker, le martèlement furieux de la batterie, et, bien sûr… le look ravageur d’Issey qui attire bien des regards masculins. Sans même parler de son jeu de scène très expansif – surtout si l’on considère la tradition britannique des bassistes immobiles ! -, qui « dépote » vraiment… au point d’attirer même parfois un peu trop les regards ! Rhythm of Yourself, qui suit, est un titre encore meilleur, porté par une mélodie efficace, et on se rassure (à tort, on le verra) quant aux capacités vocales ce soir de Mathew, même si on remarque qu’il n’effectue pas beaucoup de ses célèbres sauts « à la Pete Townshend ».

Le nouveau et accrocheur Born In Society est une bonne nouvelle : The Molotovs ont encore de l’inspiration en réserve. Daydreaming louche vers une power pop consensuelle, ce que l’on ne saurait leur reprocher, le set est vraiment bien lancé… Quand, patatras ! Après Today’s Gonna Be Our Day, Mathew jette sa guitare au sol et quitte la scène en courant… On reste évidemment interloqués, mais Issey et Noah se lancent dans une version féline du Should I Stay or Should I Go du Clash : même si Issey n’est pas une grande chanteuse, avec la salle qui participe avec elle, c’est un beau moment.

On espère le retour de Mathew, mais on nous annonce que son état ne lui permet pas de continuer, et que le concert va s’interrompre après seulement un dernier titre ! Matthew revient quand même pour un ultime More More More, qu’on a du mal à apprécier dans ces circonstances…

Trente minutes, coitus interruptus ! C’est fini. Matthew disparaît. Issey descend dans la fosse pour « donner de sa personne », poser pour des selfies, parler avec un maximum de gens. Noah reste lui aussi pour discuter avec le premier rang. Force est d’admettre que, en dépit de leur succès déjà notable, The Molotovs ne se comportent pas comme les nombreuses mini-stars arrogantes auxquelles les groupes anglais nous ont habitués. Simples, sympathiques, voilà des musiciens comme on aime… Evidemment, la frustration est forte dans le public.

Se pose aussi la question de savoir si, connaissant le risque lié à la mauvaise santé de Mathew, le groupe a voulu quand même essayer de jouer pour satisfaire son public, ou si, hypothèse plus cynique, Live Nation a préféré que les Molotovs jouent aussi longtemps que possible afin d’éviter une annulation et le remboursement des billets…

En tous cas, Issey nous a juré que le groupe reviendrait très vite à Paris. Nous y serons, évidemment !

Les musiciens de The Molotovs sur scène :

Mathew Cartlidge – voice, guitar

Issey Cartlidge – bass, backing vocals

Noah Riley - drums

La setlist du concert (interrompu) de The Molotovs :

Johnny Don't be Scared (Rhythm of Yourself EP – 2025)

Rhythm of Yourself (Wasted on Youth – 2026)

Born In Society

Daydreaming (Wasted on Youth – 2026)

Today's Gonna Be Our Day (Wasted on Youth – 2026)

Should I Stay or Should I Go (The Clash cover)

More More More (Wasted on Youth – 2026)

Ce samedi, c’est la seconde et – malheureusement ! - dernière journée du Festival Outsiders au Supersonic Records, et en attendant devant la salle, en compagnie d’un public beaucoup moins nombreux que le vendredi soir, on espère très fort ne pas être déçus ce soir, tant les promesses du festival ont été brillamment tenues la veille ! L’affiche est moins prestigieuse, mais on compte sur les goûts bien affirmés de l’équipe du festival pour nous surprendre et nous enchanter…

20h20 : Et de fait, le set de Momus va s’avérer une surprise, et très vite, un enchantement (… un sentiment, précisons-le tout de suite, qui ne sera pas partagé par tout le monde dans la salle !). Il faut d’abord préciser que Momus (Nicolas John Currie de son véritable nom) est un pur OVNI dans le monde finalement bien conventionnel de la musique, et que si, après un joli succès dans les années 80 – Momus a eu une influence importante sur Jarvis Cocker et sur Brett Anderson -, il est désormais surtout connu au Japon, et en Asie plus généralement. D’ailleurs, à côté de nous au premier rang, il y avait une jeune femme chinoise qui avait fait le voyage depuis son pays juste pour assister à ce concert !

Seul devant un écran projetant les "clips", souvent sous-titrés, des chansons qu’il interprète, Momus, désormais très émacié et coiffé de manière spectaculaire, vêtu d’une sorte de combinaison étrange et rapidement pieds nus, arpente la scène en gesticulant, et en effectuant quelques pas de danse (… qui, en effet, évoquent le « jeu de scène » d’un Jarvis Cocker). Il enchaîne quasiment sans aucune pause, hormis quelques notes qu’il tire de temps en temps d’une flûte à bec, une ribambelle de mini-morceaux mi-chantés, mi-parlés, balayant une multitude de genres musicaux et de thèmes. On passe sans coup férir de la pop synthétique – avec quelques jolies mélodies par-ci, par-là – à une sorte de musique ambient dont le rôle semble avant tout d’illustrer ou de supporter les longues récitations de l’artiste.

Dit comme ça, on comprend aisément ceux qui ont détesté cette heure aussi radicale que déstabilisante, et pourtant ! Nous, nous sommes passés du rire aux larmes et vice-versa, grâce à des paroles brillantissimes (Momus est peut-être tout autant un écrivain et un journaliste qu’un musicien), couvrant un spectre thématique absurde : de la disparition de son chat adoré aux réflexions philosophiques baignées de culture orientale, les textes ratissent large, mais sont largement irrigués d’un humour fin et corrosif (Momus a été plusieurs fois poursuivi en justice !). Mais c’est sans doute le plus important : nous avons aussi vibré grâce à la voix étonnante et la présence scénique de cet artiste hors norme, évoquant très fortement le jeune Bowie (eh oui !)… Un peu l'impression de voir ce que serait devenu Bowie dans un monde parallèle où il n'aurait pas connu le succès et serait resté sur sa trajectoire initiale d’artiste provocateur. Fascinant !

Gros, gros coup de cœur pour nous, et vivre ce genre d’expérience décalée, inattendue justifie pleinement de fréquenter les salles de concert dans une recherche jamais définitivement satisfaite d'émotions nouvelles.

21h40 : nous avions – logiquement - peur de retomber de haut avec Scott McCloud (ex Girls Against Boys, un groupe que nous reconnaissons n'avoir jamais écouté, et également ex-Paramount Styles) : ses morceaux folk-rock ultra-classiques, chantés avec une voix et dans un style assez similaires à notre cher Elliott Murphy (mais malheureusement sans le génie mélodique d'Elliott…), peuvent difficilement être considérés comme ceux d’un « Outsider ». Mais Scott est chaleureux, drôle, sympathique, et – comme Elliott – peu avare en anecdotes expliquant ses chansons. Celui qui semble être le véritable « outsider » de cette seconde partie de la soirée, c’est Simon Lenski, un brillant violoncelliste belge, qui accompagne McCloud et qui va transcender le set, opérant un véritable tour de magie grâce aux sons audacieux (et très « noise » souvent) tirés de son instrument dont il joue de manière peu conventionnelle.

C’est quand les chansons montent en intensité qu’elles deviennent vraiment passionnantes, et on aurait sans doute apprécié un peu plus de moments plus « rock » dans un set d’une heure plutôt intimiste. Exemple significatif : la réinterprétation par Scott du classique forcené des Stooges, Search and Destroy, qui devient une méditation existentielle plutôt douloureuse… Très belle conclusion, avec Hold Me Tight, d’un set malheureusement abrégé du fait des contraintes d’horaire le soir.

En conclusion, aucune déception en cette seconde soirée, et un grand merci au Festival Outsiders pour tout ce qu'ils font pour des artistes "différents" (nous pensons aux mots sincères de Scott expliquant que ce genre d’événement permet à des gens comme lui de « survivre » : dur !). Mais aussi pour nous, public avide de musiques peu communes !

La setlist du concert de Scott McCloud :

Make It To Forever (Make It To Forever – 2026) (with Simon Lenski)

Spaceship (Make It To Forever – 2026) (with Simon Lenski)

Skin of My Teeth (Make It To Forever – 2026) (with Simon Lenski)

Come to New York (Paramount Styles song) (with Simon Lenski)

The Girls of Prague (Paramount Styles song) (with Simon Lenski)

Abandoned In Flames (Make It To Forever – 2026) (with Simon Lenski)

Come Around (Make It To Forever – 2026) (with Simon Lenski)

Alleyesareonyounowmypet (Paramount Styles song) (with Simon Lenski)

Search and Destroy (Iggy and The Stooges cover)

BFF (Girls Against Boys song)

Sexy Sam (Girls Against Boys song) (with Simon Lenski)

Hold Me Tight (Make It To Forever – 2026) (with Simon Lenski)

“Life is unfair / Kill yourself or get over it” (La vie est injuste / Tue-toi ou passe à autre chose.) reste sans doute la phrase la plus connue extraite de la courte discographie de Black Box Recorder (3 albums au tournant entre le XXe et le XXIe siècle). C’est en tout cas celle qui traduit le mieux la violence des thèmes traités par l’inénarrable – et irremplaçable – Luke Haines, et son complice John Moore, dissimulés dans une forme de pop music sophistiquée et douce, qui plus est chantée par la voix exquise de Sarah Nixey. Lorsque la nouvelle de la reformation du trio est venue à nos oreilles, suivie par des comptes rendus élogieux d’un concert londonien qui avait attiré une jolie foule, nous avons prié pour que Black Box Recorder vienne nous voir à Paris, eux qui ne l’avaient jamais fait à l’époque.

Et ce sont nos amis de Sun Burns Out que nous devrons éternellement remercier pour avoir convaincu ces trois quasi-extraterrestres du rock britannique de prendre l’Eurostar et de venir, guitares acoustiques sous le bras, jouer pour nous au Supersonic Records dans le cadre de la troisième édition du festival Outsiders. Un miracle ou presque de pouvoir assister à ça : le public parisien ne s’y est pas trompé, les places sont parties très vite, la soirée est sold out, la queue s’allonge assez tôt avant l’ouverture des portes rue Biscornet. Tout est en place pour un set mémorable.

À 20h20, même si nous sommes tous impatients de vivre cette expérience de voyage dans le temps, vers une époque où le songwriting « classique » était encore la base du rock, et où avoir un « discours politique » plus ou moins virulent quant à l’état de la société était une évidence, nous avons d’abord à vivre un autre bon moment, le concert de Perio. Voici presque un an que The Sharp Bones of My Sleep, le dernier album d’Eric Deleporte, est sorti, et nous n’avions pas encore eu l’occasion de l’entendre défendu sur scène ! Perio est en format trio ce soir, Eric étant accompagné d’un bassiste qui joue occasionnellement de la guitare et du trombone à coulisse, et d’un batteur qui terminera le set à la basse. On perçoit immédiatement une belle alchimie sur scène, un plaisir évident d’être là, qui va porter le set vers l’excellence. On démarre sur la respiration puissante du trombone, avec un Screens – extrait du dernier album – qui réussit à être à la fois envoûtant, mystérieux, et confortable comme un cocon de beauté dans lequel on a envie de se lover. Bien sûr, la voix singulière (quelque part entre Gordon Gano et Daniel Johnston, deux sacrées références…) et les effets de vibrato dans le chant de Deleporte confèrent à la musique de Perio une originalité supplémentaire, l’éloignant des sonorités Americana que l’on attendait.

Et nous sommes partis pour cinquante minutes avec une setlist composée de sept chansons de The Sharp Bones Of My Sleep, dont la pop tubesque et presque sautillante de Graffiti Palace, et surtout un Feel the Rage transcendé par l’énergie scénique du trio, et de cinq autres morceaux revisitant le passé du groupe. On retiendra surtout le dissonant et très émouvant Billboard, Pt. 2, et une version très festive de Whoopadoop qui trace en effet une ligne de parenté entre Perio et Violent Femmes.

Même si on a l’impression parfois que Perio reste un peu trop dans la retenue, et gagnerait encore sur scène à prendre le risque de la perte de contrôle, de l’explosion, ce set confirme la singularité d’Eric Deleporte et de sa musique.

21h25 : Ils sont enfin alignés devant nous : Luke Haines, avec son éternel chapeau (presque un chapeau de paille), visiblement réjoui dès la première chanson, Sarah Nixey, éblouissante tant par sa présence physique que par sa voix – peut-être devenue encore plus belle avec la maturité -, et John Moore, qui tiendra – malgré lui ou pas ? – le rôle amusant du maladroit / angoissé de service. Une véritable petite comédie se joue sur scène entre et même pendant les chansons, traduisant là encore une jolie complicité (et un soupçon de rivalité ?) entre les musiciens… mais surtout un plaisir sincère d’être là avec nous. Le public est conquis dès les premières notes du sublime England Made Me, le premier rang est occupé en partie par de jeunes fans qui connaissent toutes les paroles par cœur, et nous allons assister à ce qu’un ami qualifiera de « masterclass de composition » : dix-huit chansons d’un niveau que peu de groupes peuvent atteindre, divinement chantées, et jouées simplement avec deux guitares acoustiques qui, parfois, ont du mal – surtout au début – à se synchroniser, et sans le renfort de l’électronique et des claviers comme sur les disques.

Nous aurons droit à une heure dix minutes parfaites, consacrées largement au premier album de Black Box Recorder, England Made Me, comme annoncé très vite par Haines, avec seulement trois extraits du pourtant aussi excellent The Facts of Life et deux de Passionoia. Difficile après coup de retenir quels auront été les plus beaux moments de la soirée : peut-être Child Psychology (le titre dont est extraite la fameuse phrase, titre dont la citation par Billie Eilish a apporté une nouvelle notoriété au groupe, et explique la présence dans la salle d’un public plus jeune), Swinging pour son évidence pop, la reprise forcément consensuelle du Moribond de Brel (un tube pop outre-Manche sous le titre de Seasons in the Sun), le méconnu et captivant The New Diana, le spoken word et les « la lala la » de The Art Of Driving, ou l’imparable rappel de The Facts of Life ?

Nous aurons en tout cas admiré la prestation de John Moore à la scie musicale (instrument qu’il n’avait pas eu le droit d’embarquer sur l’Eurostar, et que les organisateurs du festival ont dû aller acheter avant le set au Castorama le plus proche !), et beaucoup ri quand le même John sera tout perturbé d’avoir entendu quelque chose se déplaçant à l’intérieur de sa guitare : Luke lui expliquera, hilare, que c’est sans doute « Johnny Hallyday » qui y est entré !

Le plus important est sans doute qu’à la fin, ils nous ont promis de revenir très vite jouer à Paris. Et ils avaient l’air sincères, ou en tout cas, d’avoir envie d’y croire autant que nous. Il n’y a pas de petits miracles dans la vie…

La setlist du concert de Perio :

Screens (The Sharp Bones Of My Sleep – 2025)

Exotic Thrill (Black Condensed – 2018)

Crust & Dirt (30 Minutes With Perio – 2015)

The Last Goodbye (The Sharp Bones Of My Sleep – 2025)

Feel The Rage (The Sharp Bones Of My Sleep – 2025)

Dance the Crisis (The Sharp Bones Of My Sleep – 2025)

No Western Land Fits Your Passion (No Western Land Fits Your Passion – 1998)

Billboard, Pt. 2 (Medium Crash – 1999)

The Game (The Sharp Bones Of My Sleep – 2025)

Whoopadoop (30 Minutes With Perio – 2015)

Graffiti Palace (The Sharp Bones Of My Sleep – 2025)

The Sharp Bones Of My Sleep (The Sharp Bones Of My Sleep – 2025)

La setlist du concert de Black Box Recorder :

England Made Me (England Made Me – 1998)

Girl Singing in the Wreckage (England Made Me – 1998)

New Baby Boom (England Made Me – 1998)

Child Psychology (England Made Me – 1998)

It’s Only the End of the World (England Made Me – 1998)

I. C. One Female (England Made Me – 1998)

Swinging (England Made Me – 1998)

Hated Sunday (England Made Me – 1998)

Seasons in the Sun (Jacques Brel cover)

Do You Believe In God? (Life Is Unfair – 2018)

Brutality (England Made Me – 1998)

The Art of Driving (The Facts of Life – 2000)

Watch the Angel, Not the Wire (England Made Me – 1998)

May Queen (The Facts of Life – 2000)

The New Diana (Passionoia – 2003)

Soul Boy

I Ran All the Way Home (Passionoia – 2003)

Encore:

The Facts of Life (The Facts of Life – 2000)

Il faut reconnaître qu’en 2026, on est bien moins impatients d’assister à un concert de Ty Segall que dix ans auparavant. Le guitariste californien prodigue a publié ces dernières années des albums moins indispensables… et son dernier passage, il y a quatre ans, à l’Elysée Montmartre, nous avait un peu déçus, comme si la flamme de sa musique brillait avec moins de force. Mais il faut toujours laisser une chance aux artistes, surtout quand ils ont laissé une trace aussi marquante dans la musique que Ty Segall. Et puis, Chrome, son dernier album avait quelque chose d’un retour aux sources d’un rock’n’roll lourd et sans concession, qui redonnait envie…

On se doute bien que le Bataclan ne sera pas complet ce soir, et le public arrivera particulièrement tardivement, pour atteindre finalement les 1400 spectateurs, ce qui n’est pas si mal. Et quand les Parisiennes d’Alvilda montent sur scène, à 19h30, la fosse est quand même déjà correctement remplie, ce qui est plus respectueux pour le groupe de première partie… Alvilda, c’est un groupe parisien extrêmement sympathique que nous suivons depuis ses débuts, et qui joue une power pop sautillante et souriante, qui met tout le monde de bonne humeur. Au fil du temps, le groupe progresse techniquement, et possède désormais un répertoire bien nourri : pendant les 35 minutes de leur set, les filles joueront huit titres extraits de leur premier album, C’est déjà l’heure, sorti en 2024, et trois titres de leur EP, Négatif. Du fait d’un son mal équilibré au premier rang, les paroles seront peu intelligibles, ce qui est dommage pour un groupe chantant en français, mais au milieu de la cavalcade ininterrompue, on se réjouira sur les déjà fameux Angoisse, Chômage (comme quoi on peut faire danser et sourire sur des sujets anxiogènes !), et surtout, comme toujours, Cinéma, en conclusion efficace. Si l’on n’échappe pas totalement à un sentiment d’uniformité des morceaux, on apprécie particulièrement la section rythmique bondissante. Si l’on cherche des antécédents à Alvilda dans le rock français, ce serait sans doute – comme nous l’a suggéré un ami mélomane – du côté des Calamités qu’il faut regarder…

20h30 : Ty Segall et ses fidèles musiciens, dont le fantastique bassiste Mikal Cronin, et le non moins impressionnant guitariste Emmett Kelly, sont installés dans le fond de la scène en arc de cercle, avec Ty complètement sur la droite, nous offrant obstinément, à nous qui sommes en face, son profil. Pas de souci, car nous sommes aussi juste face à son ampli qui va déverser sur nous pendant les quatre-vingts minutes du set (rappel compris) de la lave en fusion.

Le concert s’ouvre sur un Feel puissant, datant de la grande époque de Manipulator, ce qui annonce clairement que, ce soir, ce ne sera pas comme en 2024 : la poudre va parler. Si la voix de Ty est peu audible, ce qui n’est pas dramatique, la musique étant largement instrumentale, le son est rapidement très bien équilibré, les performances (nous pesons nos mots) de chaque musicien étant parfaitement audibles. Ty part rapidement dans un impressionnant – et très long – solo, qui donne le ton du reste de la soirée. Ce soir, les amoureux de guitare électrique en folie vont être au paradis !

La setlist comportera l’intégralité des neuf titres de Chrome, agrémentés de sept morceaux extraits d’albums principalement « heavy » de la discographie de Ty. Le tout souvent enchaîné sans pause, et donnant rapidement l’impression d’une longue « jam », sur laquelle tout le monde a l’opportunité de démontrer son talent. Le même mécanisme donc qu’à l’Elysée Montmartre, mais avec une différence de taille : la majorité des titres sont violents, voire extrêmement violents. Et les solos de Ty s’inscrivent au fer rouge sur une musique puissante, délivrée sur des rythmes « soutenus » dirons-nous. De quoi ravir les acharnés du slam, toujours actifs lors d’un concert de Ty ! Rappelons qu’il n’y a normalement, comme c’était le cas ce soir, pas de crash barrier à un concert de Ty Segall, pour permettre au public de grimper sur scène devant les musiciens, et utiliser le large espace mis à disposition des slammers !

Bon, il faut admettre qu’il est parfois difficile, voire impossible, de reconnaître les chansons, mais personne n’a l’air de s’en soucier, pourvu qu’on puisse headbanguer, surfer sur les bras du public, hurler sur chaque solo de guitare incandescent. Et puis, le spectacle sur scène ne manque pas de sel : entre un Mikal Cronin déchaîné sur plusieurs titres, qui donnerait une leçon à une bonne partie des bassistes de la planète, et un Ben Boye parfaitement stoïque et souriant ironiquement devant ses claviers, le groupe de Ty nous offre différentes versions de l’attitude rock’n’roll qui va bien ! À propos des claviers, certains se seront étonnés de leur présence, mais le son sursaturé qui s’en échappe ne fait rien pour adoucir la musique, et épaissit encore la musique, offrant aux solistes déchaînés une liberté totale.

Le set principal se termine sur le long et fantastique She, de Freedom’s Goblin, une sorte de rencontre entre Motörhead et le Deep Purple 70’s de Highway Star.

Ty et ses complices reviennent nous offrir un dernier medley torride, où le bref punk rocker de la première heure, Oh Mary et le lourd et bluesy Cherry Red encadrent une longue – et effroyablement jouissive – citation du LA Woman des Doors. Pas loin de la perfection, du coup.

Reviens-nous vite, Ty, nous sommes à nouveau des fans convaincus !

Les musiciennes de Alvilda sur scène :

Nina Galdino – chant et guitare

Eva Montes - basse

Sandra Mangione - batterie

Mélanie Martinez - guitare

La setlist du concert de Avilda :

Négatif (Négatif EP – 2021)

Chômage (C’est déjà l’heure – 2024)

Paris été (C’est déjà l’heure – 2024)

Pas dispo

Le froid (C’est déjà l’heure – 2024)

Angoisse (C’est déjà l’heure – 2024)

Mélanie (C’est déjà l’heure – 2024)

Maladresse (C’est déjà l’heure – 2024)

Moustique (C’est déjà l’heure – 2024)

Kylie (Négatif EP – 2021)

Alvilda (C’est déjà l’heure – 2024)

Cinéma (Négatif EP – 2021)

Les musiciens de Ty Segall sur scène :

Ty Segall – guitar / vocals

Emmett Kelly – guitar / vocals

Mikal Cronin – bass / vocals

Ben Boye – keyboards

Evan Burrows - drums

La setlist du concert de Ty Segall :

Feel (Manipulator – 2014)

Hospital (Chrome – 2026)

Candy Sam (Emotional Mugger – 2016)

Thank God for Sinners (Twins- 2012)

Finger (Melted – 2010)

Black Paint (Chrome – 2026)

Running to Nowhere (Chrome – 2026)

Let Go (Chrome – 2026)

Glass (Chrome – 2026)

My Best Friend (Three Bells – 2024)

Everything You’ve Been (Chrome – 2026)

Chrome (Chrome – 2026)

Play Cowboys (Chrome – 2026)

Separation (Chrome – 2026)

She (Freedom’s Goblin – 2018)

Encore:

Oh Mary (Ty Segall – 2008) / L.A. Woman (The Doors Cover) / Cherry Red (Deforming Lobes – 2019)

Ce soir, Live Nation annexe la Salle Pleyel pour une double affiche canadienne Broken Social Scene + Metric qui tourne en Europe sous le nom de « All The Feelings Tour »… et a logiquement un peu de mal à remplir les 2500 places de la salle en configuration mixte assise / debout. Néanmoins, ne nous plaignons pas, nous ne serons pas trop serrés, et pourrons profiter de l’air conditionné alors que la France connaît encore une augmentation (tardive) des températures. Et puis, petit clin d’œil de circonstance, c'est assez amusant d'accueillir des groupes canadiens – même si leur base est plus Toronto que Montréal -, alors qu'à guère plus de cent mètres de là, les fans en transe guettent la sortie de Céline Dion au Royal Monceau, pour son karaoké quotidien !

Ouverture des portes à 19h, et ça ne traîne pas, vu le programme serré de la soirée avec trois sets, et le couvre-feu à 23 h : dès 19h30, Stars, un groupe peu connu chez nous, qui a dans ses rangs deux musiciens en commun avec Broken Social Scene, attaque son set. Sur scène, déjà beaucoup de monde, en moyenne huit personnes, mais parfois plus quand la section de cuivres se muscle. Stars, c’est une musique que nous qualifierons, faute de mieux, de « pop indépendante », mais qui manque terriblement de personnalité. Pendant les deux ou trois premiers, on trouve ça plutôt sympathique, en particulier avec la combinaison masculin-féminin des vocaux de Torquil Campbell, le fondateur du groupe, et Amy Millan (de Broken Social Scene). Mais on réalise vite que Campbell n’est pas un très bon chanteur, et qu’il manque singulièrement de charisme, alors qu’il a tendance à exagérer ses attitudes sur scène, ce qui ne lui rend pas service. On appréciera quelques montées occasionnelles en intensité, quelques pointes cuivrées ajoutant du piment, mais 40 minutes, c’est beaucoup trop, et l’ennui plombe la fin du set.

21 h : peu de changement de matériel entre les deux groupes, ce qui permet que, moins de vingt minutes plus tard, Broken Social Scene soit déjà sur scène. Vu l’excitation dans les premiers rangs, il est clair qu’une partie des spectateurs est venu surtout pour le collectif de Toronto, un public d’ailleurs logiquement différent de celui de Metric, ce qui, quelque part, valide le pari de la tournée d’additionner des publics de deux groupes complémentaires.

Broken Social Scene, c’est beaucoup, beaucoup de monde sur scène, pas loin d’une quinzaine de personnes nous a-t-il semblé, sans que nous arrivions à les compter : tout cela dans une atmosphère de camaraderie générale vraiment touchante. Et puis, au-delà des cuivres qui ajoutent sur certains titres une puissance bienvenue, on compte jusqu’à quatre guitares électriques en même temps, jouées qui plus est par des types qui ne sont pas manchots ! D’où une sorte de garantie de notre satisfaction, à nous qui goûtons cet instrument essentiel du Rock !

Broken Social Scene est un groupe qui n’a jamais réellement trouvé son public en France, même pas à Paris, et Kevin Drew – l’un des deux leaders - nous fera remarquer par deux fois au cours de l’heure du set que cette soirée, qui n’est pas loin d’être triomphante dans une telle salle, est une belle surprise après toutes les déceptions de sa carrière. Il faut admettre que la grande variété de styles du groupe a de quoi désorienter quand on ne s’y attend pas : il y a des passages « Americana » (dirait-on « Canadana » dans ce cas ?) comme Paying for Your Love extrait de leur dernier album, qui peut faire penser à du Tom Petty ou à du Springsteen ; il y a le point culminant du set – sans doute survenu un peu trop tôt –, une version énorme de Ibi Dreams of Pavement, qui évoque les sommets émotionnels des premiers albums d’Arcade Fire ; il y a, à l’opposé, et avec la participation d’Emily Haines, la chanteuse de Metric, et de James Shaw, le guitariste, un beau morceau intimiste (Anthems For A Seventeen Year-Old Girl, nous semble-t-il)… Il y a aussi des échanges constants d'instruments entre les musiciens qui entrent et sortent au gré de la setlist : tout le monde a l’air de bien s'amuser. On célèbre avec beaucoup de sincérité et d'émotion l’anniversaire de Evan Cramey, l’un des guitaristes (qui fait d’ailleurs aussi partie de Stars…).

Il règne parfois sur scène un sentiment de joyeuse pagaille, mais musicalement, ça tient toujours la route, grâce à la virtuosité de tous, et à leur esprit de troupe. Finalement, si l’on ne recherche pas trop une musique organisée et facilement compréhensible, il est difficile de ne pas s'enthousiasmer devant une approche aussi humaine, joyeuse et généreuse !

21h30 : Quand résonne sur scène une version triturée du Real Good Time Together du Velvet Underground, il nous est difficile de contenir notre excitation ! Evidemment, Metric, c’est tout autre chose : plus dépouillé, plus directement identifiable, plus facilement accrocheur, avec d’excellentes mélodies que l’on saisit dès la première écoute. La grande scène de Pleyel semble presque vide maintenant avec seulement quatre musiciens… en dépit de jeux de lumières sophistiqués, et de deux grosses armoires « électroniques » qui permettent à Shaw (à la guitare, donc) et à Joshua Winstead (à la basse) de triturer en permanence le son de leurs instruments ! Quant à la radieuse Emily Haines, elle œuvre surtout – quand elle ne chante pas – derrière ses claviers installés sur une petite table roulante qu’elle déplace avec elle sur la scène.

Curieusement, le démarrage du concert semble, sinon un peu poussif, du moins trop convenu, peut-être artificiel. Les sonorités électroniques, la mise en scène du « show » offert par Metric constituent une rupture de style très forte après la musique très organique de Broken Social Scene. Même l’excellent Youth Without Youth ne parvient pas à déclencher l’excitation attendue. Paradoxalement, c'est quand le set assume totalement le côté le plus électro de Metric – comme sur le très synthétique Crush Forever - que tout finit par se mettre en place. La version de Breathing Underwater est magnifique, et dégage enfin cette émotion que nous attendions : chanter / crier avec Emily : « Is this my life? » a quelque chose de thérapeutique.

La seconde partie du concert sera magistrale, avec un enchaînement de chansons superbes, une énergie réellement classe, sans parler des petits discours en forme de mini-leçons de vie donnés avec humilité et sincérité par Emily, gagnée par l'émotion : parfait, tout simplement. La version de Synthetica, avec les cuivres en bonus, est irrésistible. Loyal est l’occasion pour les membres de Stars et de Broken Social Scene de tous revenir faire un dernier tour de piste, et de faire preuve à nouveau de ce bon esprit qui a caractérisé la soirée… Avant une formidable conclusion du set sur un Combat Baby pugnace. La soirée, parfaitement réussie, se clora donc à 23h00 pile, après un rappel de deux chansons (Help I’m Alive et Black Sheep) fédératrices.

Alors que notre attention portée à la riche scène rock canadienne est souvent focalisée sur Montréal, il n’était pas inutile de placer également Toronto sur la carte des « villes Rock » : c’est là l’un des effets secondaires de cet « All The Feelings Tour » qui nous aura ravi ce soir. Quant à Céline… c’est évidemment une tout autre histoire, qui ne nous concerne pas.

La setlist du concert de Stars :

Hold On When You Get Love and Let Go When You Give It (The North - 2012)

Elevator Love Letter (Heart – 2003)

Losing to You (There Is No Love in Fluorescent Light - 2017)

Take Me to the Riot (In Our Bedroom after the War – 2007)

Dead Hearts (The Five Ghosts - 2010)

Look Up (Heart – 2003)

Trap Door (No One Is Lost - 2014)

Ageless Beauty (Set Yourself on Fire – 2004)

Your Ex-Lover Is Dead (Set Yourself on Fire – 2004)

La setlist du concert de Broken Social Scene :

Cause = Time (You Forgot It in People – 2002)

7/4 (Shoreline) (Broken Social Scene – 2005)

Ibi Dreams of Pavement (A Better Day) (Broken Social Scene – 2005)

Paying for Your Love (Remember the Humans – 2026)

Texico Bitches (Forgiveness Rock Record – 2010)

Hug of Thunder (Hug of Thunder – 2017)

Sweetest Kill (Forgiveness Rock Record – 2010)

Fire Eye'd Boy (Broken Social Scene – 2005)

The Call (Remember the Humans – 2026)

Anthems for a Seventeen Year-Old Girl (You Forgot It in People – 2002)

KC Accidental (You Forgot It in People – 2002)

Les musiciens de Metric :

Emily Haines - lead vocals, keyboards

James Shaw - guitar, synthesizers, backing vocals

Joshua Winstead - bass, synthesizers, backing vocals

Joules Scott-Key - drums, percussion

La setlist de Metric :

Victim of Luck (Romanticize the Dive - 2026)

Oh Please (Formentera - 2022)

Youth Without Youth (Synthetica -2012)

Monster Hospital (Live It Out - 2005)

Poster of a Girl (Live It Out - 2005)

Crush Forever (Romanticize the Dive - 2026)

Now or Never Now (Art of Doubt - 2018)

Breathing Underwater (with Amy Millan) (Synthetica -2012)

Leave You on a High (Romanticize the Dive - 2026)

All Comes Crashing (Formentera - 2022)

Tremolo (Romanticize the Dive - 2026)

Synthetica (with the horn section of Broken Social Scene) (Synthetica -2012)

Gold Guns Girls (with Sam Goldberg Jr.) (Fantasies - 2009)

Loyal (with Broken Social Scene and Stars) (Romanticize the Dive - 2026)

Gimme Sympathy (Fantasies - 2009)

Combat Baby (partly with women vocalists from Broken Social Scene and Stars) (Old World Underground, Where Are You Now? - 2003)

Encore:

Help I'm Alive (Fantasies - 2009)

Black Sheep (Scott Pilgrim vs. The World – 2010)

Parmi les « Grands » de la musique des années 70-80, il en est un dont est bien en mal d’identifier les héritiers, un demi-siècle plus tard : Prince. Est-ce l’exceptionnalité de son génie si singulier qui empêche les prétendants de même oser se réclamer de lui ? Est-ce plus simplement parce que sa manière d’assembler les héritages noirs et blancs de la musique, le funk et le rock, n’est plus pertinente au XXIe siècle ? En tous cas, aller voir un concert de Nik West, dont Prince fut un temps le mentor (elle raconte qu’il lui enseigna à prendre confiance en elle-même, et à « jouer moins de notes »…), est une manière comme une autre de payer un petit hommage à l’un des plus fantastiques musiciens du XXe siècle, dont on a parfois le sentiment qu’il disparaît de la mémoire des mélomanes.

Nik West, sculpturale bassiste et chanteuse ayant donc choisi de ne pas choisir entre la folie sensuelle du meilleur funk et l’énergie puissante du rock façon seventies, est une habituée du New Morning, ou elle nous dit avoir joué 6 ou 7 fois déjà. Son concert de juillet 2025, sold out, avait été annulé à la dernière minute pour un problème de santé, et ce soir est donc une session de rattrapage pour les frustrés, comme nous, qui avions dû demander le remboursement de nos billets… même si en ce samedi soir, le New Morning n’affiche pas tout à fait complet au moment de l’ouverture des portes (on n’imagine pas que le premier concert de Céline Dion à Paris, qui a lieu ce soir, puisse avoir eu un impact !!)

A 20h30, c’est néanmoins devant un public très nombreux et très enthousiaste que Nik apparaît, vêtue d’une combinaison moulante la mettant en valeur, et coiffée cette fois d’une splendide « afro » (après de nombreuses tentatives capillaires originales au cours des dernières années). Elle est surtout armée d’une basse Fender scintillante de couleur violette, ce qu’on a le droit d’interpréter comme un clin d’œil à son mentor. Elle est accompagnée d’une chanteuse pour les backing vocals et d’un trio masculin également habillé de couleurs flashy et pailletées, à la guitare, aux claviers et à la batterie.

Dès l’ouverture du set, la musique que déverse sur nous le groupe est remarquablement puissante et nerveuse, ménageant habilement les deux facettes – funk et rock -, accentuant à tour de rôle l’une ou l’autre, pour notre plus grand plaisir. Les titres joués sont sans doute tirés d’albums de Nik, qu’il nous faut reconnaître ne pas avoir écouté avant le concert, et l’absence de setlist sur la scène ne nous guide pas. Mais c’est une première vingtaine de minutes réjouissantes, enrichies judicieusement par quelques solos de guitare agressifs ou par d’autres passages plus délirants aux claviers…

Nik se met alors à interagir avec nous, en nous présentant sa chanson Forbidden Fruit, construite sur un riff de basse percussif, qui raconte le désir ressenti pour un homme « délicieux » croisé un jour dans la rue, alors qu’elle-même était dans une relation sérieuse. Très joli, mais le morceau est ensuite étiré au long d’une participation vocale un peu exagérée du public. Nik descend d’ailleurs dans la fosse danser avec deux spectateurs masculins ravis (enfin on l’imagine…) de l’aubaine : sympathique, mais la tension du début du set redescend. Pire, Nik décide de laisser la place à sa choriste, Amber Sauer, qui se présente comme une ex-participante à l’émission The Voice, et nous chante Pink Skates, un titre de son premier album. Malgré la belle voix d’Amber, la chanson ne sort pas d’un genre « pop contemporaine » assez anodin, et son enchaînement avec le classique chanté par Aretha Franklin,(You Make Me Feel Like) A Natural Woman ne ravive pas la flamme.

Il faut alors accepter un break de 15 minutes avant le second set, et voir l’atmosphère excitante si bien créée se déliter complètement. Quelle drôle d’idée de nous laisser ainsi « retomber »… Le second set n’arrivera d’ailleurs pas tout à fait à retrouver la même magie, car, après une formidable leçon de « funk » enseignée par la professeur West, il sera largement consacré à des reprises – excellentes, là n’est pas la question – de « classiques », tels que Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) de Sly & the Family Stone, Come Together des Beatles, et enfin – inévitablement – Kiss de son éminence Prince. Avec une floraison de solos, y compris de batterie, ce qui est vraiment rédhibitoire en 2026, et une accumulation de jeux de scène amusants… mais finalement trop distrayants par rapport à la musique.

Quand Nik présente ses musiciens, on réalise que le batteur, Ricardo, est portugais, et que le claviériste, Lorenzo, et le guitariste, Simone, sont italiens : Nik fait donc appel à des musiciens européens – tous clairement brillants – pour sa tournée de ce côté de l’Atlantique, ceci expliquant peut-être la part trop réduite consacrée à ses propres morceaux.

Rappel musclé avec une autre belle reprise, celle du Proud Mary de Creedence, immortalisé par Ike et Tina Turner, qui nous laisse évidemment heureux. Mais avec quand même le sentiment gênant de ne pas avoir véritablement pénétré dans l’univers musical personnel de Nik West, d’avoir été seulement témoins d’un show efficace, « à l’américaine ». Et ça, c’est dommage.

Les musiciens de Nik West sur scène :

Nik West — basse, chant

Simone Cesarini — guitare

Lorenzo Campese — claviers / orgue

Ricardo Danin — batterie

Amber Sauer — chœurs

Ce dimanche à Rock en Seine, c’est la « folie Cure » qui déferle. Ils sont des dizaines de milliers de personnes à vouloir être devant la scène ce soir, le mieux placés possibles, et le reste de la programmation de la journée, du coup, même si elle est riche, semble passer un peu « inaperçue ». Moi, je m’organise de manière opposée : pas de The Cure pour moi cette fois, mais je vais plutôt camper devant ma chère Scène de la Cascade (pardon, BoursoBank maintenant !), bien me placer au premier rang et enchaîner Dry Cleaning, Wolf Alice, et surtout Mogwai.

15h45 : Mon après-midi commence donc par Dry Cleaning, un groupe dont je ne sais toujours pas exactement quoi penser, après « toutes ces années ». Une chose est certaine, Dry Cleaning, c’est sans surprise : il y a le « Spoken Word » assez atone de Florence Shaw, posé sur une musique pour le coup réellement cold wave qui, elle, danse et flambe. Un mélange de chaud et de froid original et un concept intéressant, mais qui me semble toujours au final moins convaincant qu’espéré. Et cet après-midi, ce sera pareil à toutes les fois précédentes, où je les ai vus : du coup, ceux qui aiment auront aimé le set de quarante minutes (plus court de cinq minutes que prévu, ce qui n’est pas très sympathique pour les fans), tandis que ceux qui n’aiment pas se seront gentiment ennuyés.

Tom Dowse, à la guitare, fait toujours des merveilles, et reste quand même LA grande raison d’écouter Dry Cleaning. Pourtant, il paraît beaucoup moins boute-en-train que d’habitude, moins impliqué aussi, ce qui fait que le set sera inférieur au précédent que j’ai vu. Lewis Maynard, à la basse, essaie sans doute de compenser, et danse tout au long du concert avec un enthousiasme (qu’il espère) communicatif. Des pics d’intensité apparaissent après 15 minutes, en particulier sur l’excitant Magic of Meghan, un titre datant des débuts du groupe, il y a déjà sept ou huit ans… mais on aimerait qu’il y en ait plus ! Ils terminent leur set par Scratchcard Lanyard, un très bon morceau, mais qu’on dirait « sous-exposé » aujourd’hui. Donc, à la fin, les lignes n’ont pas bougé. Un jour, peut-être, Dry Cleaning transcendera-t-il son concept ? L’espoir s’amoindrit au fil des années…

17h25 : Wolf Alice n’est pas un groupe que j’ai particulièrement écouté et encore moins suivi : vu une seule fois en live, il y a huit ans au Download Festival, un ou deux albums réellement écoutés… Ellie Roswell chante très bien, elle a une élégance et une présence scénique remarquable, mais j’ai toujours trouvé quelque chose d’un peu « générique » dans sa musique. En plus, on m’avait prévenu que Wolf Alice avait changé de style musical, effectué un virage commercial vers la pop, loin du folk et du rock tendu de ses origines.

Et force est de constater que, durant la première moitié du set, on a du mal à reconnaître Wolf Alice, et pas seulement parce que la blonde Ellie Roswell est devenue brune. Si sa voix est toujours impeccable, si ses musiciens jouent le jeu à 200% pour animer la foule, faire taper des mains, chanter, sauter, avec une bonne humeur communicative (la palme revient au bassiste, Theo Ellis, omniprésent et charismatique), les titres de The Clearing qui ouvrent le set le semblent tout sauf intéressants. Seule surprise : à un moment, dans un bon esprit très sympathique, deux spectatrices – qui s’avéreront être hollandaises - sont invitées à monter sur scène pour chanter et danser, interlude qui se finira dans une sorte de ronde enfantine avec Ellie. Mais, soyons honnêtes, nous avons du mal à trouver tout ça passionnant.

Et puis, dans la seconde partie du set, on retrouve certains titres forts des albums précédents, le ton se durcit jusqu’à devenir intense, presque extrémiste, comme sur les féroces Yuk Foo et Play The Greatest Hits enchaînés avec une réelle furie. Ce qui prouve qu’il y a encore un groupe et une chanteuse de rock derrière cette soupe qu’ils nous ont servi et ce spectacle trop consensuel. Consensuel ? Oui, car si nous avons été, nous, déçus, ce n’est pas le cas des fans de Wolf Alice, qui ont semblé aux anges du début à la fin d’un set de presque une heure.

19h40 : Si j’ai tant envie de revoir Mogwai, alors que mon dernier concert du groupe de post-rock écossais ne date que de février 2025, c’est que la rumeur a couru parmi mes amis que Mogwai avait offert à la Route du Rock le meilleur concert de l’édition 2026 : du coup, je n’en espère pas moins pour Rock en Seine, ayant fait l’impasse et sur Nick Cave et sur The Cure. Et de fait, ce soir, ça va être très vite « plié » : dès le premier titre – oui, le premier –, qui n’est pas moins que God Gets You Back, la superbe ouverture psyché – où il y a même des vocaux ! - du dernier album, The Bad Fire (un titre dont je me souviens avoir pensé qu’il chassait un peu sur les terres du meilleur My Bloody Valentine !), quand la guitare de Stuart Braithwaite entre en action, on sent nos poils qui se dressent, les larmes qui nous montent aux yeux, le grand frisson qui arrive… Ce grand frisson que nous recherchons encore et encore dans la musique. Nous nous regardons, incrédules, entre fans massés au premier rang, impossible de mettre des mots sur cette sensation… Mogwai est vraiment immense…

Mais là où ce set d’une heure et dix minutes – un peu plus long que le temps prévu, ça nous change des raccourcis de Dry Cleaning et Wolf Alice ! – est exceptionnel, c’est que la même chose, le même frisson se reproduit, mais encore plus fort, au second titre, le bien nommé Hi Chaos avec son crescendo imparable. Et puis au troisième… I'm Jim Morrison, I'm Dead (j’adore le titre de ce morceau !)...

Ce ne sera ensuite que du bonheur, au fil d’une setlist qui me paraîtra l’une des plus parfaites que nous ayons entendu de la part de Mogwai depuis longtemps. Et oui, ils joueront le magique Auto Rock, l’un de leurs titres où c’est le piano qui mène la danse, et même leur single grungy et chanté (!), Fanzine Made of Flesh… Le tout sans que nous redescendions réellement de notre nuage pendant cette heure et dix minutes. Et tout se conclura sur l’enchaînement du très radical We’re Not Here et de l’incontournable fresque épique qu’est toujours Mogwai Fear Satan, avec ses breaks « infernaux ». Et dans un déluge aveuglant et éblouissant de lumière et d’électricité (pas très sympathique pour les épileptiques, pour le coup !), qui nous emporte, hébétés, mais extatiques, vers des rivages inconnus.

​​​​​​​On n'a rien dit ici de la scène - dont la seule décoration consiste en un drapeau palestinien à droite et un drapeau transgenre (rose, blanc et bleu) à gauche, marquant l'engagement politique soutenu du groupe -, ni des musiciens - comme toujours discrets, s'effaçant derrière leur musique, tous les cinq pleinement concentrés sur leurs instruments et sur la construction de leurs univers sonores : à un concert de Mogwai, la musique s'écoute plus qu'elle ne se regarde, et l'aventure proposée est avant tout intérieure. Et ça a été encore plus vrai cette fois que jamais.

Quand ce fut terminé, après nous être tous congratulés joyeusement, étourdis de bonheur, d’avoir eu « la sagesse » de parier sur Mogwai, il ne nous restait plus qu’à regretter qu’une partie du public ait déserté la Scène BoursoBrank avant la fin du concert, pour se mieux placer devant la Grande Scène, ce qui était sans doute inévitable. Nous, nous n’avions plus qu’une solution : quitter Rock en Seine, pour garder précieusement, très précieusement dans notre mémoire et notre cœur le souvenir de cette musique tout simplement idéale.

Tout ce que nous attendons d’un concert de Rock, Mogwai nous l’a donné ce soir.

Merci, Rock en Seine !

La setlist du concert de Dry Cleaning :

Strong Feelings (New Long Leg – 2021)

Gary Ashby (Stumpwork – 2022)

Her Hippo (New Long Leg – 2021)

Magic of Meghan (Sweet Princess EP – 2018)

Cruise Ship Designer (Secret Love – 2026)

Scratchcard Lanyard (New Long Leg – 2021)

La setlist du concert de Wolf Alice :

Bloom Baby Bloom (The Clearing – 2026)

White Horses (The Clearing – 2026)

Formidable Cool (Visions of a Life - 2017)

Just Two Girls (The Clearing – 2026)

Leaning Against the Wall (The Clearing – 2026)

How Can I Make It OK? (Blue Weekend – 2021)

Bros (My Love Is Cool – 2015)

The Sofa (The Clearing – 2026)

Bread Butter Tea Sugar (The Clearing – 2026)

Yuk Foo (Visions of a Life - 2017)

Play the Greatest Hits (Blue Weekend – 2021)

Smile (Blue Weekend – 2021)

The Last Man on Earth (Blue Weekend – 2021)

Don't Delete the Kisses (Visions of a Life - 2017)

La setlist du concert de Mogwai :

God Gets You Back (The Bad Fire – 2025)

Hi Chaos (The Bad Fire – 2025)

I'm Jim Morrison, I'm Dead (The Hawk is Howling – 2008)

New Paths to Helicon, Pt. 1 (Ten Rapid (Collected Recordings 1996–1997) – 1997)

How To Be A Werewolf (Hardcore Will Never Die, But You Will – 2011)

Ritchie Sacramento (As the Love Continues – 2021)

Auto Rock (Mr. Beast – 2006)

Fanzine Made of Flesh (The Bad Fire – 2025)

Remurdered (Rave Tapes – 2014)

We're No Here (Mr. Beast – 2006)

Mogwai Fear Satan (Young Team – 1997)

Ce samedi est un jour compliqué pour moi, qui ne suis pas très fan des genres hardcore et compagnie, qui sont mis en avant sur à peu près toutes les scènes. Mais, heureusement, il y a toujours moyen de trouver de quoi passer un bon moment à Rock en Seine, tout du moins depuis que la programmation est redevenue Rock !

17h55 : les Dynamite Shakers sur scène, c’est justement toujours la garantie de l’un de ces bons moments, mais, cette fois… le choc, pour moi qui ai suivi ce jeune groupe (« jeune » par l’âge de ses membres), et pourtant très expérimenté, depuis des années, c’est le passage des textes de l’anglais au français, qui a accompagné leur signature chez un gros label. On peut imaginer que la bonne maison Barclay voit en eux le potentiel de devenir le Téléphone de la génération actuelle… Cette francophonie nouvelle, quand j’en avais entendu parler, m’avait semblé une excellente idée, vu le nombre beaucoup trop réduit de rockers hexagonaux chantant dans leur langue maternelle. Mais elle s’avère une mini-révolution plus notable que prévue, et donc déstabilisante : la langue de Molière éloigne Dynamite Shakers de leurs belles racines « puristes » et rock garage, et, quelque part, les transforme en… autre chose.

Il me faut donc un peu de temps pour m’habituer, même si l’intro sur le féroce nouveau titre, Equipage Ravage, prouve que l’ADN « rock dur » du groupe n’a pas été affecté. Je tique plutôt sur la reprise du mythique C’est comme ça des Rita Mitsouko : même dans une version énervée, on est trop loin de ce que je considérais jusque-là comme leur univers (en gros, Fleshtones et Dogs…) pour aider mon adhésion aux « Dynamite Shakers V2.0 ». Mais, no sweat ! Progressivement, au fil de la setlist et de leur habituelle montée en pression, je retrouve le groupe que j’adore, jusqu’à un final enragé et incendiaire (sur le What’s Going On extrait du premier album), qui porte bien leur marque. Bon, il va me falloir maintenant écouter MARYLIN, leur nouveau disque, qui vient juste de sortir…

18h50 : Course rapide la scène AXS vers la scène Roc-On Volkswagen (ces noms, quand même !) pour tenter d’assurer la barrière afin de voir et écouter le nouveau groupe qui m’a le plus marqué sur disque ces derniers temps, Man/Woman/Chainsaw. D’ailleurs, s’il y a une chose regrettable quand même dans la programmation de cette édition de RES, c’est le nombre limité de prises de risque, de découvertes, de musiques surprenantes… Alors profitons de cette exception ! Le rock aussi expérimental que « pop », aussi punk dans l’esprit que joyeusement désorganisé, du jeune collectif anglais va clairement scinder le public en deux camps : il y aura ceux qui quitteront rapidement la scène Roc-On en n’ayant entendu qu’une sorte de cacophonie incohérente, et ceux (heureusement plus nombreux) qui auront été enchantés par cette atmosphère foutraque, traversée par des éclairs aveuglants de beauté soul, de furie punk rock et de lyrisme échevelé.

D’où je suis placé, un peu trop sur la gauche, je ne vois quasiment pas l’un des « points forts » des prestations scéniques de Man/Woman/Chainsaw : Clio, la fantasque violoniste, qui remue beaucoup d’air à elle seule. Le reste du groupe (six musiciens, quatre filles et deux garçons) est beaucoup plus sage, et s’applique à jouer les nouvelles chansons extraites de l’album qui vient de sortir, Cannonball. Comme sur le disque, on passe de titres très énervés comme le furieux The Thing, qui décoiffe salement, à des sucreries pop-soul comme Lighter. Je trouve d’ailleurs que le groupe n’arrive pas tout-à-fait à créer un flux cohérent de musique qui nous permette de nous y raccrocher… Cela étant, il faut bien reconnaître que jouer avec un grand soleil en pleine face n’est pas facile pour un « collectif » britannique de ce genre, plus habitué à l’intimité des caves underground ! Je les reverrai donc dès que possible dans un lieu plus adapté.

19h45 : Je me suis fait un peu prier par les copains fans de High Vis (« encore un groupe de punks hardcore en colère ! ») pour retourner devant la Scène AXS, et je n’y suis donc pas arrivé avec beaucoup d’enthousiasme, alors qu’un public nombreux était déjà massé devant. La barrière est néanmoins accessible, mais cette fois, très à droite. Et puis, rapidement, il a été évident pour moi que High Vis, c’était bien autre chose, bien plus qu’un cliché : de véritables chansons, avec des mélodies reconnaissables, avec des changements de genre musical inattendus. Il y a surtout, au-delà de l’énergie déployée, une sincérité, une honnêteté que l’on ne rencontre pas si souvent que ça, en fait… et qui leur vaut visiblement la fidélité de nombreux fans manifestant clairement leur passion pour le groupe. Finalement, j’ai le sentiment de reconnaître quelque chose de ce « naturel » presque naïf qui faisait le prix du mouvement punk londonien entre 1976 et 1977, dont High Vis serait un héritier, simplement plus dur et désespéré, étant donné la manière dont les temps ont changé et dont la société a évolué.

Mais c’est quand, d’un seul coup, l’émotion s’est emparée de Graham Sayles, leur chanteur, que tout a basculé pour moi : les larmes aux yeux et la voix serrée, Graham nous a avoué combien c’était une récompense pour le groupe de jouer ici devant des milliers de personnes, après avoir galéré aussi longtemps dans des salles vides. Un moment de pure beauté, de vraie humanité, dans ce monde de brutes qui est le nôtre désormais. Tiens, je suis presque devenu un fan de High Vis ! Bon, juste pour faire rire les connaisseurs du groupe qui vont sûrement se moquer de moi, mon moment préféré du set a été la chanson Guided Tour, extraite de l’album éponyme.

20h45 : J’ai pris la décision difficile de quitter la Scène AXS avant la toute fin du set de High Vis pour essayer de trouver une place correcte devant la grande scène et voir Amyl & The Sniffers. Je suis content d’y parvenir, même si je suis très sur la gauche, j’ai une bonne vue dégagée sur la scène ! Le problème est plutôt que, même si j’ai beau bien aimer les albums d’Amy, en live, ça s’avère du pub rock – légèrement coloré d’esprit punk - sans grande surprise, et même assez répétitif.

Pire, par rapport à leur set d’il y a trois ans au même endroit, ce concert souffrira d’un « ventre mou »… avant une dernière partie où, heureusement, s’aligneront enfin des titres plus accrocheurs, comme Jerkin’ ou Hertz, qui dégagent une saine énergie, et réjouiront les nombreux pogoteurs qui s’en donnent à cœur joie (en évitant quand même les flaques de boue !). Il reste qu’Amyl est toujours aussi radieuse et pétulante, et convaincue dans ses rares diatribes contre la violence et la discrimination, que la nouvelle bassiste a fière allure, et que Declan Mehrtens, à la guitare, nous a fait de belles démonstrations de virtuosité qui ont soulevé les applaudissements.

Il est temps pour moi de quitter les lieux avant que le public ne devienne complètement hystérique devant Deftones. Il me faut garder des forces pour demain dimanche, une journée importante.

La setlist du concert de Dynamite Shakers :

Equipage ravage (MARYLIN – 2026)

Scellé au sol (MARYLIN – 2026)

Juste pour toi (CINEMA EP – 2026)

Cinéma (MARYLIN – 2026)

C'est comme ça (Les Rita Mitsouko cover)

Get lost (on the other side) (MARYLIN – 2026)

Ridiculous (Don’t Be Boring – 2024)

Nightclub (MARYLIN – 2026)

What's Goin' On? (Don’t Be Boring – 2024)

La setlist du concert de Man/Woman/Chainsaw :

Only Girl (Cannonball – 2026)

Canyons (Cannonball – 2026)

scab

Goddamn, Lizard Man! (Cannonball – 2026)

Get Up and Dance (Cannonball – 2026)

The Thing (Cannonball – 2026)

Lighter (Cannonball – 2026)

Ode to Clio (Eazy Peazy EP – 2024)

Something Else to Give (Cannonball – 2026)

Nosedive (Cannonball – 2026)

La setlist du concert de High Vis :

Drop Me Out (Guided Tour – 2024)

Walking Wires (No Sense No Feeling - 2019)

Talk for Hours (Blending – 2022)

Altitude (No Sense No Feeling - 2019)

Out Cold (Blending – 2022)

Mob DLA (Guided Tour – 2024)

0151 (Blending – 2022)

Guided Tour (Guided Tour – 2024)

A Fist for When You're Down

Fever Dream (Blending – 2022)

The Bastard Inside (No Sense No Feeling - 2019)

Choose to Lose (No Sense No Feeling - 2019)

Mind's a Lie (Guided Tour – 2024)

Trauma Bonds (Blending – 2022)

La setlist du concert d’Amyl & The Sniffers :

Control (Confort to Me – 2021)

Do It Do It (Cartoon Darkness - 2024)

U Should Not Be Doing That (Cartoon Darkness - 2024)

Cup of Destiny (Amyl and the Sniffers – 2019)

Security (Confort to Me – 2021)

Doing in Me Head (Cartoon Darkness - 2024)

Guided by Angels (Confort to Me – 2021)

Balaclava Lover Boogie (Big Attraction EP – 2017)

GFY (Amyl and the Sniffers – 2019)

Me and The Girls (Cartoon Darkness - 2024)

Pleasure Forever (Giddy Up/Big Attraction – 2018)

Facts

Big Dreams (Cartoon Darkness - 2024)

Chewing Gum (Cartoon Darkness - 2024)

Tiny Bikini (Cartoon Darkness - 2024)

Got You (Amyl and the Sniffers – 2019)

Jerkin' (Cartoon Darkness - 2024)

Hertz (Confort to Me – 2021)

Some Mutts (Can't Be Muzzled) (Amyl and the Sniffers – 2019)

Ce vendredi de Rock en Seine au riche programme est une journée « différente » pour moi : Sparks sont programmés, et il est évidemment hors de question de manquer un seul concert des Frères Mael… qui plus est en compagnie de ma fille, grande fan devant l’éternel depuis ses huit ans (et qui a déjà vu le groupe trois fois, toujours au premier rang, bien entendu !). La présence de Sparks redéfinit donc mes priorités pour cette journée (qui sera joliment ensoleillée, qui plus est !) : ils sont le seul groupe sur la planète qui justifie de ne pas assister à la « grande messe » de Nick Cave sur la Grande Scène ! Et, cerise possible sur le gâteau, la programmation de Franz Ferdinand sur la même scène, immédiatement après eux, peut laisser espérer aux fans une réapparition « fortuite » des défunts FFS…

17h05 : Biffy Clyro, c’est un nom qui me titille depuis un petit moment : un groupe dont je n’ai jamais écouté grand-chose, qui est associé dans mon esprit à une sorte de heavy metal un peu bourrin, qui a récolté une célébrité conséquente en Grande-Bretagne mais qui végète en France, et que certains amis mélomanes de goût me recommandent chaudement. Le fait qu’ils passent juste avant Sparks sur la Scène Boursobank (ex-Scène de la Cascade, celle que j’ai toujours préféré à Rock en Seine) m’offre une occasion en or de rattraper mon retard, en me confrontant au groupe dans le meilleur élément qui soit : le live.

L’apparition de Simon Neal sur scène, torse nu et abondamment tatoué, ne me rassure pas quant à la subtilité potentielle du groupe, mais, très rapidement, l’énergie déployée interpelle, ainsi que la richesse des compositions, qui évoluent dans un genre musical certes peu innovant mais finalement assez indéfinissable : il y a bien un soupçon de classic rock un peu heavy là-dedans, mais aussi des sonorités grunge, hardcore, et même de bonnes mélodies ! Il y a surtout une remarquable énergie, jusque dans les abus lyriques occasionnels qui font, évidemment, pincer le nez aux esthètes. Mais le plus important, c’est l’enthousiasme, qu’on pourrait presque qualifier de juvénile, avec lequel le groupe joue (et pas seulement l’expansif Simon Neal !). Et une indiscutable générosité vis-à-vis d’un public clairement conquis par avance.

Pour les « retardataires » comme moi, la setlist est consacrée presque pour moitié à l’album Only Revolutions, apparemment considéré comme leur meilleur, avec trois titres quand même de leur dernier opus, Futique : une bonne base pour la découverte de leur musique ! Je me surprends donc peu à peu à dodeliner de la tête, à sourire franchement devant les excès scéniques de Simon et ses acolytes, d’admirer les beaux t-shirts noirs marqués d’un « Billy Fuckin’ Clyro » des fans dans la fosse. A noter aussi le joli hommage à la grande Dolly Parton, consistant à inclure un extrait de I Will Always Love You dans l’une des chansons. Bref, Biffy Clyro ont tout bon, sans rien révolutionner. Des gens que j’écouterai avec plus d’attention dans le futur…

18h55 : les « sachants », massés devant la scène avec leur mine réjouie, sont d’accord avec ma fille et moi : depuis le tout début des années 70, Sparks sont sans rivaux réels en termes de génie mélodique, de brillance des textes, de créativité et d’originalité musicale… et leurs concerts sont la plupart du temps un mélange impensable d’intelligence, de drôlerie et de gentillesse. Evidemment, seulement une heure de Sparks, ce sera un problème, avec un insupportable goût de trop peu.

Mais, je le dis d’emblée, ce court set s’est avéré une pure merveille : Russel, vêtu d’un costume – et de chaussures – roses flashy du plus bel effet, est en meilleure forme vocale que lors de leur dernier passage à Pleyel (on le notera avec une interprétation parfaite des notes hautes de No1 Song in Heaven), tandis que Ron semble moins fatigué, et sera même « démonstratif » selon ses standards (on repère quelques sourires çà et là, presque un miracle !).

La setlist – version raccourcie de celle de leur dernière tournée, telle que capturée dans le récent album live, On The Moon – est cette fois bien orientée électro, le passage le plus rock étant peut-être, hormis l’inévitable This Town…, une nouvelle excellente version de Running Up a Tab at the Hotel for the Fab, extraite du dernier LP, MAD!. Les deux nouveautés, par rapport au set de juin 2025 à Pleyel, sont l’apparition d’un Let’s Get Funky bien décalé, avec les deux frères se partageant les vocaux sur le devant de la scène (une image rarissime !), et puis un (Baby, Baby) Can I Invade Your Country? en version… « country », se moquant de l’expansionnisme des dictateurs, et donc parfaitement pertinente en 2026.

Même si le fantasque – et brillant - guitariste du groupe, qui s’en donne à cœur joie comme s’il faisait partie du public de fans, a fini par attirer l’attention des caméramen de scène de RES, nous sommes surtout sortis de cette heure enchantée plus amoureux des Frères Mael que jamais : les meilleurs, c’est eux !

21h05 : Bon, il est impossible de ne pas être d’accord avec tous ceux qui disent que le Franz Ferdinand d’aujourd’hui n’arrive pas à la cheville du gang écossais qui enflammait les scènes de la planète en 2003, et qui nous avait pris par surprise avec son génial Take Me Out, et avec des prestations live d’une énergie inégalable. Mais il est inutile d’être nostalgique, le temps passe et le groupe de Kapranos, même dans son nouveau format, ne démérite pas sur scène.

Surtout qu’il a comme munition les chansons d’un dernier album (The Human Fear) qui n’a pas à rougir devant les premiers que nous vénérions alors. Toujours extrêmement dynamique, spectaculaire même en live, Franz Ferdinand répond parfaitement aux attentes d’un public renouvelé, qui ne les a pas connus à leurs débuts, mais qui explose de joie à chaque chanson. Et s’il manque un peu d’émotion et de profondeur au set, Alex Kapranos fait un « Monsieur Loyal » d’un professionnalisme irréprochable. Les grands moments de la soirée, hormis l’irremplaçable Take Me Out, auront été Build It Up – meilleure mélodie du dernier album – et Hook, placé judicieusement en avant-dernière position avant le traditionnel final sur This Fire.

Et non, Russell ne sera pas monté sur scène avec FF pour chanter le Johnny Delusional dont nous rêvions, mais au moins Kapranos a dédié la chanson 40’ à Sparks !

Et voilà, il est l’heure de quitter Rock en Scène, alors que les premières notes du concert de Nick Cave résonnent dans la nuit… me laissant avec ce sentiment bienfaisant que, après trois sets d’excellente qualité (et un Sparks au sommet !), et avec la voix du grand « prophète » du rock tonnant au bord de la Seine, le Rock’n’roll est loin, bien loin d’être mort.

La setlist du concert de Biffy Clyro :

The Captain (Only Revolutions - 2009)

That Golden Rule (Only Revolutions - 2009)

Hunting Season  (Futique - 2025)

A Little Love (Futique - 2025)

Black Chandelier (Opposites – 2013)

Living Is a Problem Because Everything Dies (with a snippet of "I Will Always Love You" by Dolly Parton) (Puzzle – 2007)

A Hunger in Your Haunt (The Myth of the Happily Ever After - 2021)

Goodbye  (Futique - 2025)

Mountains (Only Revolutions - 2009)

Bubbles (Only Revolutions - 2009)

Many of Horror (Only Revolutions - 2009)

La setlist du concert de Sparks :

So May We Start (Annette - 2021)

Do Things My Own Way (MAD! – 2025)

Beat the Clock (Nº 1 in Heaven - 1979)

Running Up a Tab at the Hotel for the Fab (MAD! – 2025)

Let's Get Funky (Ron on vocals) (Music That You Can Dance To - 1986)

Music That You Can Dance To (Music That You Can Dance To - 1986)

When Do I Get to Sing "My Way" (Gratuitous Sax & Senseless Violins - 1994)

The Number One Song in Heaven (Nº 1 in Heaven - 1979)

This Town Ain't Big Enough for Both of Us (Kimono My House - 1974)

Whippings and Apologies (A Woofer in Tweeter's Clothing – 1972)

(Baby, Baby) Can I Invade Your Country (Hello Young Lovers – 2006)

All That (A Steady Drip, Drip, Drip - 2020)

La setlist du concert de Franz Ferdinand :

The Dark of the Matinée (Franz Ferdinand – 2004)

Night or Day (The Human Fear – 2025)

Do You Want To (You Could Have It So Much Better – 2005)

40' (Dedicated to Sparks who played on the same stage 1H earlier)

Build It Up (The Human Fear – 2025)

No You Girls (Tonight: Franz Ferdinand – 2009)

Glimpse of Love (Always Ascending – 2018)

Black Eyelashes (The Human Fear – 2025)

Walk Away (You Could Have It So Much Better – 2005) (The Human Fear – 2025)

Audacious (The Human Fear – 2025)

Michael (Franz Ferdinand – 2004)

Love Illumination (Right Thoughts, Right Words, Right Action – 2013)

Take Me Out (Franz Ferdinand – 2004)

Hooked (with Master Peace) (The Human Fear – 2025)

This Fire (Franz Ferdinand – 2004)